Seus trabalhos são divididos por “salas”, as quais vemos fragmentos de memória “Além-casa”, “Além-Rio” e “Infância” – uma viagem pela vida da artista, referências ao seu processo de amadurecimento pessoal e profissional.

Obras expressivas, concebidas inicialmente como fragmentos de memória e com interessantes “suportes” que a madeira (ora refugo, ora sobras de serrarias ou pedaços perdidos) podem oferecer à artista, criando interessantes objetos, muito além de simples quadros ou gravuras. Os objetos tem tanta expressão quanto as pinturas em acrílica. (vide galeria abaixo).

E como amigo pessoal e fã do estilo da artista, pude acompanhar alguns pedaços dessa evolução pessoal e artística – as peças que mais me chamam a atenção é a peça onde há dois gatinhos, Siamesa (Darinha) e uma Pretinha (Menina) ambos xodós da artista.

Exposição “Madeira-Memória: Priscila Pinto”
Onde: Centro Cultural Palácio da Justiça
Quando: de 30 de julho a 17 de outubro de 2010
Horários: Terças a Sextas – 10h as 15hs | Domingos: 17h as 21hs
Informações: ccpj@culturamazonas.am.gov.br | (92) 3248-1844

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Vivemos no olho do furacão digital, tal é a profusão de dispositivos que exigem interfaces: celulares, browsers, tv digital, quiosques eletronicos (caixas de banco ou auto-atendimento), dispositivos de mídia entre outros. Mais isso nos leva a outra pergunta, tão importante quanto a anterior: Qual o real papel do designer? orientar? projetar? ou simplesmente ajudar outros profissionais envolvidos no processo tecnológico das mídias e serviços digitais?

Ouvi estas perguntas e também diversas respostas, quer sejam em seminários, blogs, programas de tv ou mesmo podcasts pela internet – o designer é um profissional ligado a tecnologias, e grande parte do “salto” do webdesign se deve a ele. Antes de existir o design na web, já existia o webdesign, uma estética “não desenvolvida por designers”, mas por webmasters ou serviços de hospedagens que ofereciam tal serviço a custo zero, em alguns casos. Com a inserção dos profissionais de design nós ultimos 15 anos, o processo do designer se profissionalizou de um jeito, que hoje vemos a mudança do termo para “Webdesigner” para   “Designer de Interface” ou “UX Designer”, fato facilmente observado em seminários, encontros, congressos e sites pela internet. Com a web 2.0 um novo profissional de design surgiu: o designer de interface.

2. Entendendo a mudança do paradigma profissional

Nos anos 90 temos o Webmaster como o responsável pelo desenvolvimento, manutencão e hospedagem de sites, Dez anos após, surge Webdesigner (o responsável pelo projeto de navegação de um site, e o webmaster passa a gerente de T.I.) e agora o Designer de Interface (o profisisonal que planeja, controla e analisa o processo de interação entre uma interface e o usuário, que seja em sites ou disposivos móveis, como celulares ou PDAs).

Em parte devemos compreender que a evolução tecnológica da web 2.0 trouxe outras ferramentas e novas  situações que exigiram a mudança do perfil profissional do design (até então, webdesigner).  Projetos extremamente complexos, e agora possíveis de controle e estruturação (a mudança nos layouts como implemento do CSS2 e agora CSS3). O designer trabalhando como SEO de sites: planejando passos e estratégias digitais para um melhor acesso a informações para empresas e anunciantes.
Também em  parte, devemos ao Google este momento. De 1998 até os dias atuais, ele lançou dezenas de inovações e tecnologias que ajudaram a alavancar a web 2.0, entre as quais, o Google Analitcs que é uma ferramenta imprescindível para o acompanhamento escalonado de acessos a sites, compreensão de problemas relacionados a interfaces (entrada e saída de visitantes) quer seja, por browser, smartphones, netbooks e agora bookreaders (iPad, Tablet entre outros). E o surgimentos de outras ferramentas como o “mapa térmico” para detectar áreas do site quem mais cliques.  E estas ferramentas estão disposição todos de forma gratuita e intuitiva. Na web 2.0 o conteúdo não é mais o rei, o usuário é que tem esse papel.

3. Ensino, Internet e ferramentas

É categórico afirmamos que as faculdades apenas preparam o acadêmico para 70% da realidade quando falamos de web, os outros 30% estão na própria internet, todos os dias. Livros sobre webdesign com mais de 5 anos já são considerados “superados” em função de tecnologias terem agregado novas características aos projetos web que nunca imaginariamos: a colaboração e autoria. Hoje qualquer um, graças as ferramentas 2.0 pode montar um site com estrutura de portal com poucos cliques, dispor de servidores velozes (e robustos) que garantem 99% de permanência on-line para tráfego pesado. Seu professor já falou isso a você? Sabre o que é drupal, joomla, blogger e wordpress? E o uso do Twitter? você acha modismo? Acredite a web 2.0 veio pra ficar, e vai mudar muitos modelos de negócios! Há 5 anos atrás, os blogs era considerados conteúdos “não-profissionais”, hoje em alguns casos, é um canal de estreitamento entre consumidor e empresas, podendo em algus casos, ser a felicidade ou infelicidade das empresas.

4. O design de interface e a evolução dos Smartphones

Há 4 anos atrás a tecnologia WAP! era considera por alguns como “a via de acesso” dos celulares a internet, o que não vingou, apesar do apoio das operadoras de telefonia, a tecnologia era lenta os aparelhos incapazes de proporcionar uma boa experiência on-line. Anos mais tarde, com o desenvolvimento da tecnologia 3G e com o ingresso de aparelhos com0 o iPhone (apple) no mercado, isso mudou.  Podemos falar que este produto mudou o design dos aparelhos de telefonia, derrubando gigantes do setor (Nokia e RIM) e abocanhando o topo de vendas de smartphones no mercado até o presente momento.  E com a abertura do SDK para desenvolvimento de softwares baseados na interface do iPhone, um novo filão no mercado de software se mostrou a comunidade de desenvolvedores, modelo amplamente copiado por outras empresas, entre elas, a gigante filandesa, Nokia.
Já encontramos plugins para wordpress e alguns outros serviços 2.0 que adequam sites e portais a tela do iPhone, porém nem todas as soluções fabricadas tem agradado. Há muito ainda a caminha para as interfaces móveis

5. Intefaces não convencionais: tablet e iPad

Um novo campo para games, livros e conteúdo se mostra aos desenvolvedores e designers quer irão atuar em projetos direcionados ao iPad e Tablet da HP. Jogos interativos, educacionais, sites e conteúdos sofrerão profundas modificações conceituais e estruturais. Este é o panorama dos próximos 3 anos, e em pensar que um aparelho pequeno, comandado por gestos e pressão da ponta de dedos  está orquestrando uma nova evolução do design digital: iPad
E vamos falar francamente: navegar com os dedos é mais interessante que usar o velho mouse, outro periférico que está com os dias contatos.

Designer, Bem-vindo ao amanhã.

Há quase 15 anos o design veio para a internet. Tal foi o impacto desse momento, que o ápice estamos vivemos nos últimos 5 anos, com a chegada da EAD (Educação a Distância) e da Web 2.0.

A mudança do paradigma da estrutural da web (quando o HTML que passou a suportar tabelas) e o incremento dos códigos html com javascript, proporcionaram um trabalho mais robusto e minucioso para que o design,enfim, pudesse ser empregado como ferramenta de interface intuitiva. Na década de 90, víamos até entao uma profusão gifs animadas, estuturas pesadas vindas em parte dos menus de cd-roms mutimídias.

O design ainda estava se conformando como uma prática quase fundamental em busca do termo “interface” que conhecemos hoje.   Com a chegada das 3a geração de sites (hmtl incorporando novos objetos, tais como scripts DHTML e o adobe Flash) observa-se a maior penetração de empresas, escritórios e profissionais empenhados em tornar a web mais acessível e interativa aos internautas. Em 1996 surgem diversos portais pelo Brasil (Uol, Zaz, Mandic entre outros).

8 anos mais tarde, esse panorama aliado à inovações,  culmina na chamada Web 2.0. Marcada pela postura colaborativa e interativa entre sites e usuários.  O termo “Web 2.0” foi usado pela primeiva vez em 2004 pela O’Reilly Media e pela MediaLive Internacional como nome,  em uma conferencia que sobre as mudanças que internet passava naquele momento, e partir dai, foi batizado com esse termo.

O Design Instrucional x Web 2.0

Com a da Web 2.0 e o incremento das banda de velocidade de acesso a web no brasil e a popularização de tecnologias (flash, programação em php, jQuery, Ajax, e etc), surgiram novas  (e poderosas) ferramentas colaborativas (Blogger, Wordpress, Youtube Orkut entre outros), o usuário passou a “fazer” a web. O grande exemplo são as rede sociais, a ferramentas de opinião (blogs pessoais que mais tarde tornaram-se corporativos) até a mais novas destas ferramentas, o Twitter com milhões de usuários pelo mundo.

O Design Instrucional

Tem por objetivo organizar de forma cognitiva os esforços de educadores, professores ou profissionais responsáveis por treinamentos online (internet) ou off-line (intranets corporativas)  em direção a resultados melhores para ambos os envolvidos no processo da educação: educador e educando.

Essa modalidade de design se configura pelo uso, melhoria e desenvolvimentos ferramentas que vao ajudar o processo de aprendizagem (animações, jogos, interfaces e materiais de aula) para o ensino e treinamento, tais como a modalidade de ensino a distância (EAD).

Projetar uma animação que explique porque “as chuvas caem” ou conte detalhes da “guerra dos 100 anos” é uma ferramenta mais interessante que apenas a leitura de um livro impresso com imagens e letras. O design instrucional fornece interface, games e animações educacionais para um novo tipo de estudante, mais críticos, “conectado” e  participativo nas salas de aula em todos os níveis do ensino.

Hoje nos temos a pedagogia focada em obter o melhores resultados, procurando transferir o conhecimento de forma não-ambígua, assegurando a compreensão por parte do educando, repassando o conhecimento e estimulando a criação de “novo conhecimento”. Estimulando as habilidades críticas para um aprendizado melhor, e o Designer Instrucional é a ferramenta ideal para isto.

Várias são as ferramentas que podem ser utilizadas pelo designer instrucional, uma delas e mais principal, é o conhecimento técnico.  Servidores web, jogos on-line, sistemas de comunidades virtuais e técnicas de design que proporcionem interatividade baseadas nas tecnologias que hoje possibilitam a Web 2.0.

O projeto de interfaces, animações e games para EAD devem dar eficiência ao processo de aprendizagem. Normalmente esta atividade pressupõe que o designer deve ser orientado por um pedagogo (ou psicopedagogo) que explique o que um jogo, animação ou texto deve “oferecer” o conhecimento, o designer deve tornar isso agradável e lúdico através de técnicas e ferramentas interativas.

Atualmente a EAD é um dos mercados que mais crescem, e existe a demanda por profissionais de design qualificados. No ínicio o ensino a distância parecia ser algo irreal, hoje as grandes corporações, governos, faculdades, centros de ensino estão adotando sistemas de treinamento on-line via EAD (Educação a distância) em quase todos os níveis de ensino.

Mas há outro lado, quando ouvimos (involuntariamente) música que não gostamos, afinal ninguém gosta de 100% de tudo. Partindo deste ponto, será que a música ajuda ou atrapalha? Em muitos casos, ajuda o processo criativo de cada profissional, pois criar é um ato solitário (e pessoal) e a música “embala” o processo, alivando de certa forma a carga psicológica que envolve tempo e as urgências de mercado.  Porém, é complicado ouvir algo que detestamos, e  isso acaba com a produtividade ou até a concentração de um profissional ou equipe criativa. Em alguns casos, use fone de ouvidos e seja feliz com sua música e projeto.

Musica para criatividade
Ouvir “música” colabora para o processo criativo, é fato.  Imagine-se trabalhando com o projeto complexo de um documentário audiovisual, no qual irá produzir o material promocional (encartes, cartazes entre outros) – a trilha sonora contida no documentário (assim como o release do cliente) vai cadenciar o ritmo visual (cores, texturas, etc) do job.

A música é uma ferramenta quase imprescindível para o designer moderno, raramente conheço profissionais que curtem trabalhar no mais absoluto silêncio.  Em alguns escritório chega a ser um consenso que não dá.  Em agências e escritórios, é facil perceber iPods, iPhones, Caixas de Som, Rádios, pilhas de Cds, tvs e fones de ouvidos nas mesas/baias de designers.

Conheço profissionais que ditam a trilha Sonora do dia por influências, por gostos ou por dicas de amigos, ou por simples curiosidade a ouvir músicas novas, tal como o apego e desapego de uma idéia durante o processo criativo de um job.

É interessante vermos designers que viram músicos, ou músicos que viram designers, tal a proximidade das áreas. Cito aqui alguns profissionais: em Manaus (Am), o Markeetoo que produz o material de banda de rock Ed Ondo de excelente qualidade gráfica e visual, no campo internacional, o músico Gerard Way (My Chemical Romance) que ilustra HQ em parceria com um brasileiro, e um dos casos mais famosos no rock nacional: Paula Toller (Kid Abelha) aos 17 anos antes da banda, cursou  Desenho Industrial na PUC/Rj.

A música sempre vai ser um campo fecundo para a criatividade dos designers. Para alguns, conduz o processo criativo e vida, outros por preferirem a sua total ausência. E neste último caso, usem fones de ouvido. Não perturbem o processo criativo alheio!

Durante muito tempo foram estudadas questões no âmbito de metodologia de projetos, assim como seu uso no design, e em conseqüência da aplicação exagerada da metodologia, surge um fenômeno denominado metodolatria (adotação da metodologia como tábua de salvação de projetos), que por vezes, escondia a incapacidade criativa por trás de uma metodologia.

Foram criadas metodologias em vários países ( centrais/dominadores e periféricos/dominados) que se diferenciam pela política econômica, tecnológica e cultural presentes nos países-origem destas metodologias, e portanto, com diferentes sistemas produtivos. Um bom exemplo se passou no inicio da ESDI (Escola Superior de Desenho Industrial- Brasil) que importou seu ensino da BAUHAUS, resultando em profissionais brasileiros com um conhecimento alheio à indústria nacional, ainda em fase de instalação no Brasil (!). O que deve ficar claro é que não podemos confiar exageradamente em métodos propostos por alguns autores, e sim, formular nossos próprios em nossa prática diária de projeto.

No design, a metodologia tem uma importância vital, pois ela fornece ferramentas para se alcançar um resultado, mas um pedaço deste resultado depende da própria inclinação criativa do indivíduo (se ele é conservador ou irreverente) que é traduzida no produto projetado (visualmente ou materialmente).

Sob o ponto de visita profissional, a metodologia projetual não pode ser considerada tábua de salvação para projetos em design. Ela ajuda a focalizar o problema, mas o tratamento dado a ele dever ser próprio e característico que a situação de projeto exige somando á criatividade. Senão estaremos tentando por um quadrado em um buraco redondo, estaremos criando mais um problema, e não uma solução simples e criativa.

Muita da famosa repulsa do estudante de design vem á tona pelo tratamento frio e árido usado ao analisar os problemas, e esta vem do próprio sistema tradicional de ensino vindo ainda da década de 60, que ao meu ver precisa ser revisto o quanto antes. Estamos em pleno século XXI – as indústrias mudaram, as pessoas mudaram, e infelizmente, o ensino projetual continua o mesmo

A metodologia é uma ferramenta poderosa nas mãos do designer, quando bem entendida e aplicada ao que se deseja realizar. O ideal (que observei durante toda minha vida acadêmica e docente) é que cada um de nós designers, necessitamos ser críticos e criativos também(!). É necessário o equilíbrio intelectual e criativo no projeto de design.

Projetar somente com metodologia torna o projeto árido, e por outro lado, criar sem lógica beira o irracional e utópico. O design não pode ser utópico, sem fundamento.

O Designer precisa de organização criativa aliada a uma boa metodologia, e de preferência, a sua própria.

Acredito que muito mais que simplesmente ajudar uma ou mais pessoas – design social se faz atingindo milhares. Bonsiepe conseguiu. Produziu conhecimento, projetos de tecnologia vernacular, publicou livros e levou a palavra DESIGN para todo o Brasil, que até entao não conhecia tal termo. Mas enfatizo: somente com a ajuda da Governo Federal e parceiros de pêso (iniciativa privada e terceiro setor), estas açoes funcionaram, sem elas o resultado nem sempre é o esperado. Design social se constrói com a parcerias e com o desejo de realmente melhorar a vida das pessoas. Sim, eu sei, trabalhar se um um pro-labore não é a melhor coisa, mas pense na felicidade das pessoas que vão usar seus projetos/produtos (e idéias) para sobreviver e serem felizes.

Um exemplo fantástico de design social aplicado é o The Hippo Water Roll leiam o projeto, e assistam os vídeos. Eles retraram exatamente o que falo sobre “o que realmente se ganha com design social”. Um dia desejo muito ser convidado a atuar/projetar para uma situação como esta. É muito inspirador ver o design ser usado para produzir produtos vernaculares, de baixo custo, funcionais e cultural e ecologicamente corretos para populações que nao tem as grandes industrias em seu contexto e nem produção seriada e muito menos profissionais de design para suprir necessidades básicas de populações. É nestes contextos que o design como ferramenta social é válido, é correto – projetar equipamentos/produtos/procedimentos que possam propriciar novas formas de obtençao de energia, produtos que ajudem a combater a seca (e ajudem a plantar), que ajudem nas atividades de pequenas comunidades ou população que estejam fugindo de guerra, seca, miséria e catastrófes naturais.

Contextualizando nossas grandes metropóles brasileiras: produtos que até possa salvar sem-tetos do frio das madrugadas em SP, RJ entre outros – isso para mim, é design social – projetos pelos quais o designer soluciona uma necessidade junto com os Governos, Federal ou Estadual – afim de atingir muitas pessoas, em muitos lugares. Observando-se as questões socias, culturais e tecnológicas de uma comunidade ou grupo de pessoas. Há muito o que fazer no Brasil! Fazer o bem, sem olhar a quem. Qualquer outra coisa, como assistencialismo, dar esmolas ou simplesmente fazer uma atividade social uma vez por mês – apesar de ser bastante louvável, para mim nao é design social, é caridade. As pessoas nao precisam de assistencialismo, precisam de oportunidades, de produtos, de tecnologias que possam fazê-la ter o seu proprio sustendo, ou seja, que elas sintam ter sua própria dignidade e cidadania nas mãos. Eis o foco do design social: ajudar as pessoas a terem cidadania, uma identidade. Pensar sobre isso é um dos grandes desafios, ter massa critica e reflexiva sobre o que nos cerca, é estar preparado(a) para os desfafios da profissao em todas suas facetas – todos os dias. Nao menos que isso.

Ler revistas bacanas, e pensar na Europa é o máximo – mas é preciso pé no chão, o Brasil precisa de pessoas que pensem nele, não somente os politicos, mas também nós, Designers – somos profissionais (e pessoas) capazes de alterar a realidade com projetos e criatividade, dando uma vida mais digna ás pessoas menos afoturnadas.

Pense nisso.

Vamos ao resumo dos dois dias:

Rico Lins (BRA)

Abre o evento com uma palestra técnica: explica seus projetos na última década, vivência no exterior e como o “analógico” do design ainda permeia seu trabalho, ao misturar o design digital com o impresso lambe-lambe. Na exploração digital e interação com o trabalho bruto realizado em gráficas, ele pode juntar os dois mundos (digital + analógico) em trabalhos primorosos e premiados.  Um dos pontos altos, foi suas colocações sobre como as leis podem afetar o design gráfico (a lei “cidade limpa” em SP, por exemplo), e mostrar alguns de seus trabalhos feitos nos anos 90 – O almanaque dos Sentidos (Zoomp) que para mim foi o melhor material de design gráfico e moda que já vi na vida. E, encerra sua palestra, enfatizando que vale muito mais “pensar”  antes de ir ao “computador”, pois este último é  ferramenta, não a solução para o design gráfico.

Santa Estúdio (BRA)

Iniciam os trabalhos falando sobre o conceito da agência, e como a internet rompeu barreiras geográficas e transformou o trabalho das pessoas e agências de design/comunicação nesta última década. Um Macbook Pro pode ser uma empresa? basta estar conectado a internet? – esse foi um mote muito bem apresentado pela empresa, tudo depende do “workflow digital” que você possui. O contexto da concorrência nesses tempos de internet deixou ser local ou nacional para ser “global” e as empresas devem cada vez mais se aprimorar na busca de ferramentas para vencer a concorrência. Apresentaram três cases (Vinheta Acesso MTV), China’n'rock (China in Box) e encerram falando do game online “Moment” que promete revolucionar a web, sendo o mesmo um projeto “did you self” da agência. Uma boa palestra sobre pré e pós-produção em design, e de certa forma sobre empreendedorismo em design. Inspirador.

Molly Crabapple (ilustradora, EUA)

Molly inicia a palestra agradecendo a todos, a organização e fala sobre como o estilo vitoriano de desenho influencia o seu trabalho, que apesar de recheado a críticas sociais, lida com o imaginário no estilo “alice no país das maravilhas”.  Em seguida comenta sobre sua trajetória até a ilustração (foi dançarina burlesca e estudou artes em NY). Seu trabalho é caracterizado estruturalmente pela riqueza de detalhes nos quais conta uma história relacionada ao tema principal de uma ilustração.  Lidera um projeto de ilustração mundial intitulado “Dr. Sketchy’s” que tem versões em 100 países (!) e agora também no Brasil – em SP. Neste projeto, tal como no ínicio do século XX, usam o mesmo modo operantis criativo de Telouse Lutrec (veja moulin rouge) ao criar: um pouco de alcool para liberar a luxuria criativa.

Digital Domain (David Rousenbaun, EUA)

Encerra o primeiro dia com a melhor palestra do Evento: motion, CG aplicada a publicidade e cinema. Vinhetas incríveis de projetos desenvolvidos para clientes nos EUA (Disney, Hollywood entre outros) e Europa (Audi) que mostram o potencial de CG que o escritório chegou: sketchs em CG (animatics) são já o a CG sem a renderização final com os materiais inseridos, o que se mostrou o grande diferencial do estúdio. E o último trabalho do escritório promete: Tron Legacy (Disney Studios, 2010). Encheu os olhos. Aplaudido por todos no encerramento da 1o dia. Emocionante. Alguns trabalhos apresentados na demoreel do estúdio: Titanic (1998), Senhor dos Anéis, Piratas do Caribe, Transformers, O curioso caso de Benjamim Button, Eu Robô etc.

Nelson Balaban (BRA)

Um jovem Diretor de Arte que já é “veterano” no design. Não se auto-define com designer, porque tem consciência que não tem formação acadêmica, mas apenas técnica. Explica seu processo criativo e diz valorizar muito o trabalho coletivo, quando os prazos apertam e o cliente não tem tempo disponível.  Aos 17 anos iniciou-se no publicidade, aos 20 anos já é Diretor de Arte premiado e comentado em diversas publicações. Destaque: veja o vídeo criado para a campanha da Coca-cola para o lançamento do “007: Quantum of solace” impressionante. Tem bastante bagagem, o que gerou ciúmes no twitter, em alguns jovens que aparentemente não têm tanto foco profissonal nesta idade. Em breve nova campanha de “O Boticário”com assinatura deste rapaz: criativo!

Cubo CC (BRA)

Técnicos: trabalho estruturado, 90 pessoas ligadas indiretamente e a busca incessante de diferenciais tornam essa agência uma das mais criativas e produtivas do cenário nacional. Uma prova que o design pode engolir a publicidade, e levar o conhecimento de um produto a um nível mais alto.  Clientes como Google, Nokia, Unilever e Pepsico mostram como o potencial criativo do estúdio é um dos mais admirados no Brasil e Exterior. Nova campanha Axe rockstar prova o que estou falando – “viralizar” o trabalho em redes sociais, internet, tv, video e impresso. O escritório sabe bem como explorar as diversas (e possíveis) mídias onde os projetos podem ser veiculados. Estratégia e foco são as palavras-chave do trabalho desta agência.

Estúdio Árvore (BRA)

Estilismo e Design a serviço do mercado. Formado por Rodrigo Hideki e Vitor Santos. que tem uma sólida história na moda brasileira: um designer gráfico (Hideki) por anos no setor, e outro estilista (Santos) de marcas famosas do cenário. Produção cenográfica, estilismos, design gráfico, trabalho colaborativo, gestão criativa com foco e agência “in house” trabalhando num conceito que evita a pressão em favor do trabalho criativo e experimentação. Clientes SPFW, Redley, New Balance, Fiat entre outros.

Sesper (Street Art, BRA)

Música, Skate e Stree Art. Artista com influência (e vivência) nos anos 80 e 90. Passando por grafite, fanzine até chegar em colagens que tornaram famoso no cenário artístico e underground nacional e internacional. Já expos trabalhos em galerias no Brasil e Exterior. Seu trabalho é marcado pela crítica, pelo desejo de exprimir suas emoções sobre as coisas que vê em sua vida. Um de seus trabalhos mais conhecidos é a capa de cd para o cantor Nando Reis e ilustrações para shapes de marcas famosas de skate. “For Fun”  sua frase durante a palestra.

Musa Worklab (POR)

“Escritório português que tem por missao divulgar o design português no mundo” palavras proferidas pelos palestrantes. Seu projeto “Hello World” é uma coleção de trabalhos de design gráfico, intervenções, exposições e produtos colocados em um vídeoclipe de excelente trilha sonora (rave) + impacto visual de cores, contraste e motion design. Visualmente a melhor apresentação de todo o Evento. Por diversas vezes aplaudidos – foi um bombardeio visual para os meus olhos, me fez repensar conceitos e rumos para os meus projetos.  10!

Nos últimos 20 anos o design se desenvolveu com base na explosão de consumo atrelado a produtos de alta tecnologia (produtos eletroeletrônicos, computação e novos materiais). Desenvolvimento esse superior aos de todas décadas anteriores do século XX. As indústrias se especializaram, novos mecanismos de estimulo ao consumo foram implementados, ampliou-se o leque de produtos e  cria-se segmentos de mercado. O capitalismo deu um salto gradual com a globalização e, a própria indústria cultural deu origem a movimentos sociais e, “tribos” que consomem produtos e serviços específicos (hell angels, nerds, rockers, amantes de marcas como apple … designers!) oferecidos por estas empresas via estímulos audiovisuais (propaganda! design!). Nesse novo contexto, o design desenvolve elementos “diferenciadores” para estas tribos, uma vez que cria toda uma cultura material/visual especifica. A famosa ditadura da moda alicerçada no “diferente” e, agora também é um ardil que a indústria usa ao  inserir o design em sua cadeia produtiva.

E, é neste momento que o designer precisa conhecer a linguagem que orienta e estimula essas tribos sociais a consumir produtos e serviços específicos. Seja um especialista, não um generalista!

Considerando o design forte como ferramenta na cadeia capitalista, podemos afirmar que não existe no design solução duradoura, como falamos anteriormente – mas, a que melhor se adequa ao momento. E assim seguem os ciclos evolutivos/consumista da sociedade. Tudo pode ser implementado a seu tempo, conforme as necessidades da sociedade (!). Necessidades? cada vez a pessoas comprar produtos que não precisam… carro do ano, novo modelo de celular… nova linha de computadores… (!)

Para melhor fazermos nosso trabalho, enquanto profissionais de cultura/tecnologia, devemos conhecer elementos de antropologia cultural/social, psicologia de comportamento/consumo, mecanismo de produção, tudo isto remete o  design o campo do pensamento tecnicista. O designer antes de tudo, é um profissional técnico, pois precisa manipular toda essa variáveis no ato criativo, a ainda adapta-las a um tempo pré-determinado pelo cliente e pelo momento de referências visuais em que vivemos. Daí vem a metodologia (somada à experiência) auxiliar o designer a desenvolver seu trabalhar e satisfazer seu cliente. A linguagem é o modo pelo qual nos comunicamos, em design é o modo pelo qual idenficamos e “falamos visualmente” o que o usuário entende (ou precisa entender).

Precisamos refletir sobre o que vivemos e fazemos profissionalmente – questões sociais, econômicas, ecológicas não são mais “excluíveis” no ato projetal de design, podemos projetar produtos e comunicação direcionada, criativa, e politicamente “correta” quase que naturalmente, basta nos policiarmos nesta direção: Ética.

A Bauhaus passou por esse momento político (1923 a 1930), ainda que passageiro, mostrando que a produção poderia ser racionalizada em função do baixo custo e massificação dos produtos no mercado de consumo. Foi um dos primeiros passos para o surgimento do pensamento racional que marca o design, enquanto ato projetual voltado a produção e competitividade. Este elemento foi decisivo para que o designer saísse da idealização artística para a realidade racional das indústrias que vendem produtos em larga/média escala. Esse momento político ficou enfatizado na segunda fase da Escola (1923-1930), sob a direção de Hannes Meyer (marxista assumido), caracterizada por uma maior preocupação social. Nesta fase, ocorreu a popularização da produção da escola, daí porque vários autores atribuem este procedimento à ideologia que Meyer seguia. Foi destituído em 1930 por Walter Gropius (Membro Conselheiro da Bauhaus). Com o fim da Bauhaus em 1933 pela perseguição nazista, seus profissionais migraram para América, onde fundaram novas escolas de design, que mais tarde estimularam o surgimento de outras escolas pelo mundo.

Após II guerra mundial, vemos o surgimento da “indústria de massa” para aquecer a economia mundial, na qual o design tornou-se um forte fator diferenciador para empresas. Ganha força o Styling Americano (corrente baseada na velocidade e aerodinâmica aplicada nos produtos), tendo em Raymond Loewy seu maior expoente. Lower cria produtos e conceitos que ainda perduram (o design interno de nossas geladeiras foi design projetado por ele!) é tido por alguns historiadores como percurso do “american way life”, o dito “estilo de vida americado” das décadas de 40, 50 e 60.  Alguns anos mais tarde é fundada a Escola de Ulm (Alemanha) dirigida por Max Bill, famosa por trazer o “cientificismo” para o design, fazendo-o assumir o status científico-produtivo-conceitual atual.

Também podemos nos arriscar em afirmar que a estética como elemento funcional, estimulou o fomento de capital e lucro nas empresas, fato incontestável nos dias de hoje. Com o design agregado à produção industrial, somando-se ao surgimento do marketing como ferramenta de gestão empresarial/estratégica nas empresas, o termo “indústria de massa” passa a ser aprofundado, e temos em seguida um novo termo: a segmentação de mercado.   A partir deste novo conceito, aliado ao avanço tecnológico das mídias e meios produtivos, mergulhamos profundamente no capitalismo no qual, muitas vezes, o design ainda é tratado com mero ornamento estético que orienta a venda dos produtos em mundo globalizado.

A história da Bauhaus é marcada por suas ideologias, professores (Kandinsky, Mayers, Gropius, Marcel Breuer, Moholy-Nagy, Ludwig Mies van der Rohe, Johannes Itten entre outros) e o legado de sua produção e design até hoje permanecem modernos e atuais. A Bauhaus sempre será o ponto inicial da análise histórica/conceitual da profissão design, pois foi nela que nossa profissão “design” ganhou forma e definição. Longa vida a Bauhaus!

Se analisarmos a definição do design sobre o ponto de vista do ato criativo (e inventivo), encontramos a seguinte definição: design é a capacidade do ser humano em superar suas limitações e promover a otimização da Comunicação Visual. Contudo, antes de existir o design gráfico (e o designer!), já existia a necessidade de sistemas de comunicação, fica mais claro quando falamos sobre Design Gráfico.

E fazemos o seguinte questionamento: Quem eram as pessoas que faziam os cartazes – na Idade Média, no Egito e no início do século XX antes do design gráfico surgir? Nomes diferentes, mas com uma só definição: Artistas. Que estavam comprometidos em passar a informação, não somente para uma pessoa (ou grupo), mas para uma comunidade especifica ou geral (a população).

Isto nos leva a pensar que o Design Gráfico veio da Arte, a partir do momento que o fazer manual e artístico saiu do circulo boêmio e cultural dos artistas, passando para os escritórios (quando houve a chamada profissionalização, o surgimento do nome design), isto é, houve a mudança da esfera artística para a esfera técnica, fruto da modernização da própria arte e dos meios de reprodução vigentes na época, ou seja, a Canonização do Design Gráfico.

Posteriormente, essa canonização alcançou as escolas (Bauhaus) – e a partir desse momento, o design ganha o caráter acadêmico, completando dessa forma sua passagem da esfera artística para a esfera técnica definitivamente. Daí porque o próprio design (e o designer) tem uma crise de identidade – pois, o nosso próprio ato criativo, algumas de nossas ferramentas e nossas técnicas estão ligadas a fundamentos da Arte e Tecnologia. Tendo como ponto essas considerações, cada designer gráfico traz em si um pedaço de cada artista que viveu no início do século XX (suas técnicas e formas de criar).

Entender a Canonização do Design Gráfico é entender o fenômeno da Arte que deu origem à nossa profissão, e ao mesmo tempo entender a própria estrutura que impulsiona o ato criativo/técnico do design.